然而，艺术并没有被这场收缩吞没。恰恰相反，高成本、重资产的“白盒子”虽失去了昔日的确定性，但在退出与关停的背后，一种更轻盈、更开放的生存方式正悄然成型：空间可以流动、内容可以共享、展览开始跨界——艺术正走出封闭的象牙塔，进入更多元的场域。

“白盒子”褪色，“游牧”成主流

在全球经济放缓、运营成本攀升、艺术品价格承压的市场背景下，艺术圈的“共享经济”已不再是乌托邦的概念，越来越多的画廊付诸实践，绕过高昂的自持空间负担，让展览和作品的呈现方式更加灵活。

“共享空间”的本质，是把原本封闭在各自“四面墙”里的观众、藏家和话题，通过空间的互通进行叠加。这种模式显著摊薄了运营成本，更在画廊之间的互动中整合了客群与市场的资源。

今年2月，位于纽约的 Proxyco 画廊和 Instituto de Visión 画廊就达成合作，位于埃尔德里奇街88号5层的展览空间成了两家画廊互相交流与共享的交点。按照各自的节奏轮流使用空间，但同时又保持着各自的独立业务。

作为这种模式的初创者，2016年在伦敦推出的 CONDO 画廊共享计划从当初的“离经叛道”，至今已经深刻地影响着全球画廊“遍地开花”的尝试。2025年，49家来自全球的画廊齐聚伦敦，共享遍布伦敦的22个展览空间，用彼此间的合作织出了一张宏大的展览网络。

画廊周北京的运作宗旨也回应了这种趋势。发起人仍旧希望邀请藏家回到画廊的环境中挑选作品，而非在快节奏交易的艺博会现场匆匆浏览；同时也为观众提供更多感受与思考的空间。这样的共享式运作，让艺术品的呈现并非在一个城市永久扎根。通过跨区域、跨空间的合作方式，藏家、观众和媒体资源被带入全新的消费场景中，从而撬动更多的跨区人群转化，达到资源与流量的交换。

跨界的空间经营，是在同一空间内，将艺术与其他高黏性的生活方式内容深度绑定。消费者在一次到访中满足多重需求的同时，艺术也在共享化逻辑中拥有了更长的触达链条——它不再是被动等候到访的目的地，而能够主动嵌入到消费者的日常生活动线中，在更高频、更亲近的场景里与人发生连接。

法国波尔多的 BAG 画廊（Bakery Art Gallery）作为法国较有影响力的当代艺术画廊之一，在同一空间中同时经营着一家有机无麸质的烘焙糕点店。顾客可能为了点心和咖啡而来，在用餐后顺便浏览展厅；一些艺术品自然成为休息区的陈设，人们在其中交流探讨艺术与美食；而展览活动也带动了更多人第一次踏入这家烘焙坊。

在这种模式下，艺术内容的展示与传播不再依赖单一的白盒子空间，而是与持续发生的生活消费场景互惠，在共享的环境中实现更广的曝光、更频繁的互动，以及更自然的情感沉淀。

当然，相较于固定空间的共享，一些画廊的“游牧式”尝试将共享化推向了更极致的形态——艺术本身变成一支可打包、迁移、落地的“流动队伍”，不受地域与长期租约的束缚，在不同城市、不同空间中轮番登场。

美国的 Galerie Sardine 实验画廊在名字上就拟定了这种“游走”的展览状态：“沙丁鱼”（Sardine）寄托着画廊主阿克曼希望画廊像沙丁鱼罐头一样能够被打包至任何地方、做特定场域的项目的想象。这一想法很快也被实现——2024年秋天，画廊快闪至巴黎，又在今年7月来到法国勃艮第的 Le Consortium 博物馆夏季空间组织了一场群展。回到海滩边的小屋后，这间上层起居下层办展的农舍再次模糊了居住空间、展览、设计与艺术驻留项目间的界限，成为一种既亲密又开放、能够随时出发的全新画廊姿态。

在国内艺术圈举足轻重的眼镜蛇画廊也实测了“游牧”的可行性。今年年初，主理人决定把“画廊”从一个具体的门牌号，转变为可随时移动、在不同城市与场域间出现的艺术单元。这种可以因地制宜生成内容、随场景迁徙的服务模式，也恰到好处地顺应了当下人们渴望的艺术交流方式。

这些“轻资产”转型的路径，正在不断打破艺术的固有边界，以更开放的方式，为艺术的发生寻找进入不同生活场景的契机。那么换个角度来看，“共享化”又何尝不是商业地产的新机遇？

商场新机遇：承接艺术“共享化”的潜在价值

在当下的商业空间中嵌入艺术早已不再是惊喜，反而成为一种“流量标配”——重资投入艺术却走不出审美倦态、短期吸睛却打不出差异化战略？

事实上，这波红利真正属于那些能把艺术”共享化“确切转化为长期结构优势的玩家：既不止步于一次性的引流，也不重蹈高成本低转化的覆辙，而是通过系统化的运营，让艺术在商场中具备稳定的商业生命力。

这就意味着，商场可以从这四个维度完成升级：

与其依赖“临时借来”的艺术制造短促的流量噱头，不妨推动商场从单一的展览容器，转型为“共享化艺术网络”的长期节点。通过为画廊提供长期驻扎或循环展演的空间，将艺术系统性地纳入商场的内容体系，从而释放出截然不同的价值。

一方面，通过自营艺术季或艺术节，打造一个自主可控的文化 IP，将主动权掌握在自己手里。利用“常设舞台+短期剧目”的形式，让观众总能在这里找到新的体验，形成持续回流的理由。

另一方面，主动介入更广泛的艺术巡回网络，成为艺术节或艺术周的卫星展场，按季引入新内容与跨城客群，实现“内容不断档、客群跨区域”。

以 AT ART 入驻陆家嘴中心 L+Mall 为例，传统画廊的展陈被升级为沉浸式的艺术生活场景，艺术商店的加入不仅打破了传统白盒子空间的知识门槛，缓解人们进入其中的压力，同时有效延长了客群的停留时间。

简单来说，观众在同一空间中既能欣赏到艺术家的作品，又能顺手买到艺术衍生品，甚至自然过渡到餐饮休息等环节，形成了二次消费链条。这种转化机制，正是艺术内容能真正落地为坪效增长的重要一步。

类似的逻辑来看，卢浮宫卡鲁塞尔商业街（Carrousel du Louvre）的泡泡玛特2024年正式开业，与卢浮宫联名推出的限定盲盒一经推出，就迅速成了被哄抢的“法国土特产”。当艺术内容被转化为可循环的产品与体验，进入可复制、可流通的消费链条，商场不仅是展览的落地场，更可以成为艺术 IP 在商业端的分发节点。

过去，商场与艺术的关系更多停留在“租赁”逻辑：商场提供一个临时空间，艺术进驻展览。但这种模式往往止步于“装点门面”，缺乏真正的价值沉淀。

与其把艺术局限在中庭一角，不如让它渗透到咖啡厅、书店等生活业态中，把原本割裂的商业空间和艺术升级成一个有主题、有叙事的“沉浸式容器”，共同投资一个新的消费场景。

这样一来，艺术不再是孤立的装饰，而是能与餐饮、零售、休闲等业态发生自然的跨界互动：顾客在喝咖啡、翻书、购物的过程中，都能“顺手可见”地遇见艺术，由此实现“从点到面”的转化。顾客的体验因此更加完整，艺术也能带出更高的坪效与更强的记忆点。

2024年 BAZAAR Café 打造的期间限定「B Gallery」，以“MIRROR 镜像对话展”为主题，携手插画艺术家周依、Abei设计主视觉，同时展出艺术家平子雄一、张腾远的作品，让CURISTA COFFEE 奎士咖啡摇身一变成为微型画廊空间，搭配展览衍生的限定饮品和甜点，在日常消费场景中释放艺术的商业张力，实现价值共创。

落到最后，承接艺术“共享化”所带来的价值不能仅仅停留在人流和展览热度，更要完成从“艺术客群”到“目标客户资产”的有效转化。观展人群往往自带有一定的文化审美和消费力，如何把他们留在商场的体系里，才是决定长期收益的关键。

通过展览期间的会员招募、私人导览、闭门晚宴等方式，画廊的客户不再只是短暂停留的过客，而被沉淀到商场的私域网络，成为可触达、可运营的长期资产。

换句话说，艺术不仅是一次“文化事件”，更能有效帮助商场搭建高净值客户池。